Estrenos de cine de la semana: catástrofe, batallas y una dupla desopilante

Llegan a los cines de Córdoba cuatro películas para renovar la cartelera este jueves, entre las que se destacan Dos tipos peligrosos con Russell Crowe y Ryan Gosling y Warcraft, basada en el popular videojuego.

Dos tipos peligrosos

Hollywood abunda en parejas policíacas-detectivescas y Shane Black es uno de los artífices de esa longeva tendencia. Responsable del guion de la primera Arma mortal (1987), Black fue en la década de 1990 un guionista afamado y requerido en el rubro de la acción y los tiros por la industria. El éxito de la segunda película dirigida por Black, la reciente Iron Man 3, hizo que pudiera reflotar y concretar un guion escrito junto a Anthony Bagarozzi en 2001 con el que ahora entrega su tercera película, que tiene a Russell Crowe y Ryan Gosling como desopilante dupla investigadora entre parvas de mujeres despampanantes, gángsteres y balaceras.

Warcraft

El videojuego de Blizzard Entertainment de la década de 1990 es un clásico en materia de estrategia que ahora llega al cine de la mano de Duncan Jones, hasta el momento director de los atisbables filmes de ciencia-ficción Moon y Source code. Como sucedía en el popular juego, en la película se enfrentan dos razas, la de los orcos y los humanos del reino de Azeroth, con dos héroes reconocibles batallando por sus bandos. Con Travis Fimmel, Paula Patton y Ben Foster.

La última ola

La película catástrofe de factura escandinava de Roar Uthaug se sitúa en la montaña noruega de  Åkneset el día en que un tsunami de 80 metros de altura asola el lugar. En el medio de la catástrofe se encuentra un geólogo que debe actuar con alarmante rapidez. El filme se inspira en hechos reales acaecidos hace 80 años y que según los especialistas podrían volver a ocurrir. La posibilidad de esa ola inminente es el punto de partida del filme. Con Kristoffer Joner, Ane Dahl Torp y Jonas Hoff Oftebro.

Amor por sorpresa

Holanda es conocida por su legislación liberal, entre cuyas acciones permitidas se encuentra la eutanasia. En el filme de Mike van Diem esa profunda decisión adopta matiz de comedia romántica y ciencia-ficción, cuando un millonario y una joven que han firmado un contrato para morir a manos de una empresa se enamoran y quieren revertir la situación antes de que sea demasiado tarde.

Por Redacción VOS

'Escuadrón Suicida': Revelada la duración de la película

La cinta sobre los villanos de DC dirigida por David Ayer llega a las salas de cine el próximo 5 de agosto.

El momento de Batman y Superman ya ha pasado y ahora le toca el turno a los villanos de DC. 

Escuadrón Suicida, la próxima entrega del Universo Cinemático del famoso estudio de cómics que está llevando a cabo Warner Bros., llega a las salas de cine el 5 de agosto y, después de contarte que puedes personalizar tu propio icono con el estilo de la cinta, ahora Collider ha revelado la duración de la película.

Anteriormente, Fandango había afirmado que Escuadrón Suicida duraría solo 100 minutos (1 hora y 40 minutos) y muchos lo dieron como cierto cuando David Ayer, director de la cinta, publicó esto en su cuenta de Twitter antes de decir que esa información no era correcta. Así que, ¿cuál es la duración oficial de la película? 130 minutos, o lo que es lo mismo, 2 horas y 10 minutos para disfrutar de Harley Quinn (Margot Robbie), El Joker (Jared Leto), Deadshot (Will Smith) o Katana (Karen Fukuhara); entre otros.

Esto, por otro lado, también convierte a Escuadrón Suicida en una de las películas más cortas del Universo Cinemático de DC hasta la fecha. El Hombre de acero tiene una duración de 2 horas y 23 minutos, mientras que Batman v Superman: El amanecer de la justicia dura 2 horas 33 minutos en el montaje que vimos en las salas de cine. Te rercordamos que la versión Ultimate del enfrentamiento entre El Caballero Oscuro y Kal-El constará de 30 minutos más.

Escuadrón Suicida cuenta la historia del grupo de villanos de DC contratados por el gobierno para ejecutar misiones suicidas a cambio de una reducción de su condena. El reparto está formado por Joel Kinnaman (Rick Flag), Will Smith (Deadshot), Margot Robbie (Harley Quinn), Jared Leto (El Joker), Jai Courtney (Boomerang), Cara Delevingne (Enchantress) y Viola Davis (Amanda Waller). Sobre estas líneas, no te pierdas el tráiler.

El diablo viste a la moda cumple diez años y sus protagonistas revelan seis secretos de su rodaje

Recuerdos del exitoso film de Meryl Streep que podría nunca haberse hecho.

 En su edición más reciente, la revista especializada Variety realizó un reportaje especial para celebrar el décimo aniversario de El diablo viste a la moda, la exitosa película protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway adaptada de la novela The Devils Wears Prada que repasaba, con la ayuda de la ficción, los años que pasó su autora, Lauren Weisberger, como asistente de la temible editora de la revista Vogue, Anna Wintour. En la nota, además de recordar que la película había sido pensada como la opción más modesta y para "chicas" de la esperada Superman regresa, la película pochoclera más prometedora del verano estival de 2006 y que terminó superándola, sus propios protagonistas revelan algunos divertidos secretos del film.

Meryl Streep vale doble. Aunque todos estamos de acuerdo en que sin Meryl Streep la película no sería lo que es y que nadie más que ella podía interpretar a la exigente Miranda Priestley, lo cierto es que lo productores del film estuvieron a punto de perder a su estrella. Según contó Streep, desde el momento en que leyó el guión supo que la película sería un éxito y aunque ella siempre había evitado negociar el dinero que le pagaban por sus papeles ésta vez se puso firme y exigió que merecía más que la suma "casi insultante" que pretendían pagarle. Al día siguiente le ofrecieron el doble, aceptó el trabajo y descubrió que "a los 55 años acababa de aprender, muy tarde, como negociar un trato a mi favor".

Todo gracias a Rachel McAdams. Los productores se desesperaban por tenerla y ella no hacía más que decirles que no. Luego de protagonizar Diario de una pasión, Rachel McAdams era la actriz joven que todos querían para sus proyectos pero ella estaba decidida a evitar películas de perfil tan alto y por eso rechazó varias veces el papel de Andy Sachs, la graduada universitaria con aspiraciones de periodista seria y poco interés por las revistas de moda. Y su negativa fue una bendición para Anne Hathaway, que aunque no tuvo que probarse para el papel, sí se tuvo que armar de paciencia para esperar a que los productores que intentaban convencer a McAdams se cansaran y la contrataran a ella, su segunda opción.

Más tropiezos que éxitos. El proceso de realizar una película suele estar repleto de inconvenientes que luego, si hay suerte, no se reflejarán en la pantalla. En el caso de El diablo viste a la moda, aunque la historia transcurriera en un mundo de lujo y excesos, lo cierto es que el presupuesto con el que contaba David Frankel, su director, era bastante modesto. Tanto que la producción no pudo conseguir los permisos para rodar en el MoMa ni en Bryant Park, dos locaciones fundamentales para el mundo de la moda neoyorquina y hasta tres días antes de empezar el rodaje no conseguían encontrar al actor que interpretara a Nigel, la mano derecha de Miranda que terminaría interpretando por Stanley Tucci.

Miranda Priestly de Eastwood. Uno de los elementos que hacen inolvidable la actuación de Streep es la voz que eligió para construir a su criatura. Demandante, tiránica y despiadada, todos suponían que la editora tendría una voz estridente y de volumen elevado. Sin embargo, la actriz decidió ir hacia el extremo opuesto y susurrar cada uno de sus parlamentos. Muchos pensaban que estaba imitando a Wintour, pero para la nota aniversario ella se ocupó de aclarar la verdad detrás de su inspiración. "Es la voz de Clint Eastwood. Él nunca, jamás, eleva su voz y todo el mundo se tiene que inclinar para escucharlo y así, automáticamente, se transforma en la persona más poderosa de la habitación", contó Streep sobre su director y compañero de elenco en la brillante Los puentes de Madison.

Jeans y zapatillas. Después de realizar un casting de más de cien actrices para el papel de Emily, la asistente principal de Miranda, Frankel estaba desesperado. Hasta que se cruzó por su escritorio la grabación de Emily Blunt que un agente había tomando cuando la actriz ya tenía un pie en el avión para volver de Hollywood a su Londres natal. El director quedó fascinado y no sólo cambió el personaje para que fuera británica en lugar de norteamericana, como en el libro, sino que hasta esperó que otro proyecto que tenía Blunt en la mira finalmente no se concretara. Así, la llamó a Londres para avisarle que para él era la elegida para el papel pero que los ejecutivos del estudio querían verla con vestuario más apropiado que los jeans y las ojotas que usó en el video.

París quedaba demasiado lejos. Ya con el rodaje en marcha y todos los actores disfrutando del trabajo, el director seguía sufriendo porque los productores se negaban a autorizar la filmación de las escenas en París, fundamentales para el desenlace de la historia. Sin embargo, hacia la mitad de la filmación en Nueva York las cosas iban muy bien y un editor armó un adelanto tan entretenido para los ejecutivos del estudio que finalmente dieron el visto bueno para que Hathaway y Simon Baker (que interpreta al seductor Nick) filmaran en París. Lamentablemente, el aumento del presupuesto no alcanzó para que Streep los acompañara.

Natalia Trzenko

Comentario de la película "Yo antes de tí"

En su ópera prima, la directora inglesa Thea Sharrock realiza una discreta y razonable defensa del derecho de quitarse la vida.

Película rarísima la ópera prima de Thea Sharrock. Varios pasajes podrían pertenecer a una película de Disney basada en un cuento infantil en el que una joven del montón se enamora de un príncipe hermoso que tiene todo y ya no quiere nada. Lo que quiere decir que el filme trabaja sobre el estereotipo y los efectos de su recepción. Sin embargo, Yo antes de ti es una discreta y razonable defensa del derecho de quitarse la vida. ¿Un cuento de hadas sobre la eutanasia para ricos?

Dos accidentes. El primero, el de Will Traynor, un joven tan guapo como cualquier agente 007, talentoso y millonario, que tras ser atropellado por una moto quedará cuadripléjico; el segundo, de otra naturaleza: a la proletaria Lou la echan del trabajo y con el mes de indemnización que le han dado poco puede hacer para ayudar a su familia. Ambos accidentes llevan a un tercero: Lou será contratada por la madre de Will para que lo cuide. De ese vínculo laboral nacerá una predecible y acaso trágica relación.

Los lugares comunes fatigan el relato, en plena coincidencia con la extenuación física y existencial del personaje, pero tal vez se trate de una perspicaz estrategia destinada a descentrar la habitual impugnación proteccionista frente al tema controversial que el filme elige retratar. Uno de los personajes, al enterarse de la voluntad de Will, dirá que se trata de un homicidio; ese no es precisamente el punto de vista del filme. La negociación consiste en utilizar los prejuicios del caso para demostrar el límite de ciertas convicciones. Vivir por vivir no es una opción: si el dolor es imbatible, la obstinación de vivir es de necios. El placer es aquí un valor supremo. 

Dado que el filme se ha estrenado en versión doblada y subtitulada es pertinente reparar en el pasaje en el que los protagonistas ven la magistral De dioses y hombres, momento en el que Lou, a sus 26 años, ve su primera película subtitulada. Inesperada moraleja que interpela al público y a los distribuidores que descreen de las capacidades cognitivas de la audiencia. Es difícil desmentirlo, este cuento de hadas hedonista es una película de adultos. 

Yo antes de ti. Nuestra calificación: Buena (***). Reino Unido, 2016. Dirección: Thea Sharrock. Con Charles Dance, Emilia Clarke, Jenna Coleman, Matthew Lewis, Sam Claflin, Vanessa Kirby. Director: Thea Sharrock. Guionista: Jojo Moyes, Michael H Weber, Scott Neustadter. Complejidad: nula. Sexo: nulo. Violencia: nula

Por Roger Koza

¿Cómo el Brexit puede llegar a afectar a Game of Thrones?

Algunos costos de producción son cubiertos por un fondo europeo.

Al tiempo que artistas y productores enumeran las consecuencias negativas para las artes ante la salida del Reino Unido de la Unión Europea (UE), uno de los programas más populares y queridos de la televisión a nivel internacional podría comenzar a experimentar sus propias dificultades.

Según la revista Foreign Policy, parte de los costos de producción de la serie Game of Thrones son financiados por el Fondo Europeo de Desarrollo Regional, que busca promover proyectos de la UE y, en este caso, contribuye con la inversión necesaria para filmar en locaciones como Irlanda del Norte y Escocia, lugares que le dan rostro a Winterfeld, Castle Black y las Iron Islands. Desprovista de la inyección de capital que permite el fondo, Game of Thrones podría dejar de ver a Irlanda del Norte como un territorio atractivo para sus filmaciones, aunque haya sido escenario de momentos fundamentales de la serie, como la batalla de los bastardos entre los ejércitos de Jon Snow y Ramsay Bolton.

Según la publicación, la salida de la UE pone a HBO en una posición en la que deberá buscar socios para ayudar a compensar el dinero que perderá, un recorte que afectará su capacidad para realizar escenas que requieran un gran despliegue de personal y recursos. Actualmente, se estima que cada episodio de la sexta temporada de la serie cuesta US$ 10 millones, un número que incrementa según la cantidad de efectos especiales requeridos.

Sin embargo, HBO no realizó comentarios sobre el impacto del Brexit en la producción del show, que también ha sido filmado en España, Croacia, Malta e Islandia. Northern Ireland Screen, la agencia audiovisual oficial de Irlanda del Norte, también declinó declarar ante Foreing Policy.

Se estima que proyectos de televisión y cine británicos recibieron US$ 32 millones en los últimos siete años de organizaciones como Creative Europe, que otorga dinero a propuestas culturales y de medios.

Nueva invasión, 20 años después: qué esperar de "Día de la independencia: Contraataque"

20 años después de pegar fuerte en taquilla, Roland Emmerich vuelve a enfrentar a humanos y alienígenas en Día de la independencia: Contraataque

Fue la película más taquillera de 1996 y una oportuna predecesora de tendencias reales e imaginarias: Día de la independencia anticipó una larguísima lista de películas apocalípticas por venir en Hollywood a la vez que puso en imágenes una impactante destrucción de la Casa Blanca pocos años antes del atentado a las Torres Gemelas. Aunque sea por esa temible escena, sus efectos espectaculares (todavía una mixtura digital-artesanal) y su ambicioso planteo de invasión extraterrestre, el filme de Roland Emmerich quedó en la memoria popular y su secuela permaneció como promesa. En tiempos de reciclajes fílmicos a gran escala, Día de la independencia: Contraataque llega 20 años más tarde para reclamar su grandilocuente legado, de nuevo con el director alemán a cargo.

Más una “continuación” que una “secuela”, según Emmerich, Día de la independencia: Contraataque le hace honor a las décadas pasadas entre un filme y otro y pone en escena a dos generaciones: por un lado vuelven Jeff Goldblum, Bill Pullman, Judd Hirsch, Brent Spiner y Vivica A. Fox respetando sus viejos papeles, a los que se suman Jessie T. Usher (como el hijo del piloto ahora fallecido que interpretaba Will Smith), Liam Hemsworth, Maika Monroe y Charlotte Gainsbourg. 

Con una presidenta mujer (Sela Ward) a cargo de los Estados Unidos (un guiño de profecía consciente hacia Hillary Clinton), Día de la independencia: Contraataquevuelve a invadir la cartelera en vísperas de la independentista fecha patriótica estadounidense (el 4 de julio) con un argumento que está resumido en su título: los alienígenas derrotados del filme previo envían una señal espacial que llega a destino, y así nuevas camadas de extraterrestres vuelven al planeta Tierra para reclamar venganza. Si la anterior nave madre tenía un cuarto del tamaño de la luna, esta vez las tropas enemigas prometen amenazas de proporciones aún más gigantes junto a la peligrosa capacidad de controlar la gravedad. Del otro lado, los humanos se ponen en guardia con tecnología alien heredada de la primera invasión. El resultado es un enfrentamiento campal en el que perecerán nuevos lugares icónicos de la humanidad, con efectos digitales sustituyendo la factura artesanal.

Destrucción constructiva

A nivel ficcional, la gran amenaza terráquea la representa Emmerich, que en las producciones que siguieron a Día de la independencia se dedicó a romperlo todo en sintonía con un subgénero que se impuso en Hollywood: el del fin del mundo.Godzilla (1998), El día después de mañana (2004), 2012 (2009) y El ataque (2013, donde la Casa Blanca vuelve a ser blanco de ataque) fueron los deslucidos intentos de Emmerich de igualar su hit pre 9-11, siempre inspirado de manera confesa en Steven Spielberg y George Lucas. 

Día de la independencia: Contraataque es otro acto de fe en el derrumbe, tendencia que Emmerich prevé que seguirá mucho tiempo. Para él, el entretenimiento futuro estará regido por los videojuegos, la realidad virtual y los blockbusters. Aunque también dice que Hollywood “podría colapsar, como le pasó al cine de estudios en los ‘60”. Sea como sea, está claro que a Emmerich le gusta hacer las veces de profeta.

Día de la independencia: Contraataque. EE.UU., 2016. Dirección: Roland Emmerich. Con: Liam Hemsworth, Jeff Goldblum y Bill Pullman. Duración: 120 minutos. Mayores de 13 años.

Por Redacción VOS

Día de la Independencia 2: los extraterrestres vuelven por más

El director Ronald Emmerich vuelve a plantear una invasión alienígena a la Tierra como lo hiciera hace 20 años.

El cineasta alemán explicó que el hecho de que Smith rechazara repetir experiencia con los extraterrestres lo "golpeó al principio", hasta que comprendió que su vacío lo podía aprovechar para "hacer algo nuevo y así remplazarlo".

Veinte años de un éxito

La producción, que aterriza esta semana en las salas argentinas, es la secuela de la famosa cinta de 1996, en la que la Tierra se enfrenta a una invasión alienígena durante los días previos al Día de la Independencia en Estados Unidos (4 de julio).

"Para sustituir a su personaje, he tenido que crear una generación entera", confesó Emmerich, consciente de lo que suponía la pérdida del carismático capitán Steve Hiller, que Smith interpretó hace dos décadas.

El director de 60 años se mostró seguro y convencido con la elección de Hemsworth, 26 años, al asegurar que quedó contento con su trabajo en el set de rodaje.

"Cuando lo conocés, se muestra dulce y tranquilo, pero en la pantalla tenía que convertirse en un chico malo y rebelde, y lo hizo genial. El público se quedará sorprendido con él", halagó el alemán al joven intérprete.

Hemsworth, conocido por su papel en la trilogía Los juegos del hambre, reconoció que lo ilusionaba conducir las naves espaciales y combatir contra los alienígenas, puesto que vio la cinta original cuando tenía "6 o 7 años".

Con su barba desenfadada y una sonrisa torcida, el rubio actor remarcó que fue más difícil tener que lidiar con Katniss Everdeen, la protagonista del mundo creado por Suzanne Collins a la que da vida Jennifer Lawrence, que con los extraterrestres.

"Los dos son muy complicados pero Katniss es una mujer muy compleja y eso para Gale, mi personaje, era muy confuso", apuntó entre risas.

Veinte años después del primer ataque procedente del espacio exterior, el mundo ha alcanzado la paz global y ha desarrollado armas que combinan tecnología humana y alienígena.

En este contexto, la principal preocupación de Emmerich consistía en no extender la película más de lo necesario, puesto que en su opinión "los largometrajes de hoy en día son demasiado largos" y no ve con buenos ojos "hacer una cinta de dos horas y media si el argumento no es bueno".

En Día de la Independencia 2, que se excede hasta los 120 minutos, el cineasta midió con cuidado el número de efectos especiales: "Al final hicimos más de los que usamos, porque nos dimos cuenta de que eran demasiados y se hacía pesado".

El también director de El día después de mañana y 2012 subrayó que sólo ha vuelto a ver la cinta de 1996 dos veces y que, a pesar de que le "gustaría rehacer los efectos especiales", no lo hace porque para él una película refleja la tecnología y las posibilidades que había en la época.

Aún así, el trabajo de posproducción en la nueva cinta reluce cuando las máquinas gravitacionales de los extraterrestres provocan que un buda gigante golpee el Big Ben o que la ciudad de Dubai caiga literalmente sobre París.

Para Emmerich era esencial mostrar diversidad racial, cultural y de religiones en el filme, además de poner a una mujer como presidenta de los Estados Unidos porque una película de alienígenas "también debe ser un reflejo real del mundo".

Jeff Goldblum, que encarna de nuevo al mítico especialista en satélites David Levinson, ya lanzó el aviso en el tráiler: "Siempre hemos sabido que volverían. Esto es mucho más grande que la vez anterior".

Buscando a Dory: el momento más tierno de la película que revienta la taquilla

Disney Pixar liberó un fragmento en las últimas horas, para muchos el más adorable de la película que romper récords en Argentina y en Estados Unidos a días de su estreno. Mirá el video y los impactantes números.

Con un impresionante debut en su primer fin de semana, Buscando a Dory se convirtió en la película con segundo mejor arranque del año en la taquilla argentina. Aunque si se incluye el lunes (este vez fue feriado, claro) quedó en la primer posición de ese ranking.

Nuestro comentario de Buscando a Dory, una película cinco estrellas

Según publica Ultracine, la secuela de Pixar cortó 778.388 tickets de jueves a lunes inclusive (571.835 en el fin de semana “normal” contando hasta el domingo). Es la mejor marca taquillera del año para un filme en sus primeros cinco días, pero quedó por debajo de Capitán América: Guerra civil, al contar el fin de semana regular, de jueves a domingo. La película de Marvel había convocado a 607.783 espectadores entre el jueves 5 y el domingo 8 de mayo.

Mientras tanto, en Estados Unidos se convirtió en el mejor estreno de la historia del país de una película de animación. En su primer fin de semana, la secuela deBuscando a Nemo recaudó más de 136 millones de dólares. En Argentina ese récord sigue siendo de los adorables Minions.

Esa gran repercusión que obtuvo la película en la taquilla, también se reflejó en las críticas (para VOS es una película cinco estrellas) y en los comentarios del público, en general muy positivos.

Sin dudas, uno de los momentos que más suspiros ha generado es la presentación de la Dory bebé, o Baby Dory. De hecho, Disney Pixar publicó ese fragmento en las últimas horas en su canal de YouTube. Miralo subtitulado a continuación:

Cinco películas con secuelas impensadas

El estreno de las segundas partes de Buscando a Nemo, Día de la independencia y Nada es lo que parece muestran que cada vez más películas tienen una continuación, aún cuando parezca innecesaria.

La cartelera de cine tiene esta semana siete secuelas de otros filmes en exhibición. A partir de este jueves, esa lista incorporará otras dos, y una semana después se agregará al menos una más. La falta de creatividad y la excesiva dependencia de Hollywood en continuaciones no es un nuevo problema, pero este año se empeña en mostrar que ya no son el éxito asegurado que los estudios creen.

Varias de las secuelas que se han estrenado este año han tenido una recaudación económica inferior a la de sus antecesoras, con películas como Alicia a través del espejo recaudando un 79% menos que su primera parte. Es que hay algunas de estas secuelas que no parecen ser necesarias, o al menos son impensadas por la forma en la que terminaron las tramas de sus predecesoras.

Ese es uno de los dilemas que enfrenta Hollywood: las grandes franquicias como los superhéroes de Marvel o Harry Potter han funcionado, y todos buscan series que puedan competir con ellas, o al menos generar familiaridad con algunos personajes para generar fidelidad entre los espectadores. Por eso, películas que hace un tiempo no habrían tenido una secuela, hoy la tienen. Esta es una lista de algunos ejemplos de secuelas impensadas, con varias que ya se encuentran en cartelera, o se estrenarán esta semana.

Buscando a Dory

Actualmente en cartel

Si bien es cierto que las películas infantiles animadas suelen tener secuelas, algunas de ellas incluso muy buenas como Toy Story 3, por citar un ejemplo dentro de Pixar, Buscando a Nemo no parecía una candidata segura a tener una continuación. Y si bien la opción de poner a la desmemoriada Dory como personaje central parece ser una buena decisión, en lugar de hacer que Nemo desaparezca nuevamente, la idea de una secuela parece igualmente traída de los pelos. La culpa es de Disney, que obliga a Pixar a producir una secuela o precuela por cada dos películas originales.

Día de la independencia: Contraataque

Se estrena el jueves 23 de junio

Si bien podía ser factible que los extraterrestres regresaran a la Tierra en busca de venganza luego de su derrota a manos de los terrícolas en la película original de 1996, esta continuación al filme de Roland Emmerich fue sorpresiva por el tiempo que pasó entre una película y la otra. Mientras que la mayoría de las secuelas llegan dos o tres años después de su original, en este caso pasaron dos décadas enteras, algo a lo que se refiere en la película.

Nada es lo que parece 2

Se estrena el jueves 23 de junio

La original fue lo que en la jerga de Hollywood se llama "sleeper hit": una película sin grandes pretenciones, que llega sin demasiado favor de la crítica a la cartelera pero que acaba teniendo una más que aceptable recaudación económica (lo único importante para los estudios). Este éxito le garantizó una secuela (que incorporó a Daniel Radcliffe a su elenco), e incluso una planificación de una tercera parte, antes del estreno de la segunda. Su estreno en Estados Unidos demostró que no todo es una potencial franquicia, recibiendo aún peores críticas y una recaudación considerablemente menor.

El cazador

Se estrenó en mayo en los cines locales

Blancanieves y el cazador fue una de las tantas versiones con actores de carne y hueso y una estética sombría de cuentos clásicos que en los últimos años han copado los cines del mundo. Universal Studios apeló a una continuación centrada en la figura del cazador (interpretado por Chris Hemsworth), con una historia original, sin inspiración en otros cuentos, que se estrenó este año, y fracasó a nivel de crítica y recaudación.

Zoolander 2

Se estrenó en febrero en los cines locales

La comedia protagonizada por Ben Stiller es otra secuela que llegó con una considerable diferencia de tiempo con respecto al original. Quince años después, la historia del modelo Derek Zoolander tuvo una secuela que ya tuvo problemas desde su primer avance, por el que recibió críticas de la comunidad LGBT por lo que consideraba una burla a un personaje transexual. Luego de su estreno fue criticada por su trama, y su taquilla no fue la esperada, recaudando la mitad de la original.

Hollywood se reinventa y transforma a varias de sus películas en series

Esta semana se conocieron los tráilers de tres programas basados en conocidos films. "El Exorcista", "Arma Mortal" y "Shooter" son la punta de lanza de un fenómeno que crece.

Se terminaron las grandes épocas de desembolsos masivos de dinero. Ya no existe eso de un proyecto grandilocuente que rompa esquemas. Los enormes estudios van a lo seguro. Producen sagas que se conocen hace décadas (Star Wars), muestran historias de superhéroes que permiten vender muchos pochoclos (Avengers) o relatos de terror hechos con muy poco dinero (El Conjuro). Y ahora Hollywood le encontró otra arista al negocio: transformar el cine en pantalla chica. Esta semana la cadena Fox lanzó los tráilers de tres películas que se transformaron en series.

Dos de los films son clásicazos, como El Exorcista y Arma Mortal; el restante es Shooter, una de acción pura que en su momento anduvo bien en taquilla. Como Fox tiene los derechos de cada historia ahora le quiere sacar el jugo en la tele.

En El Exorcista se cuenta cómo un sacerdote le hace un exorcismo a una adolescente poseida. A diferencia de la original, una de las mejores películas de terror de la historia del cine, esta producción cambia el nombre de los personajes, y los sitúa en el presente.

Algo similar ocurre con Arma Mortal, en la que dos policías totalmente diferentes entre sí tienen que, de un día para el otro, aprender a ser compañeros. Al igual que en los films de Danny Glover y Mel Gibson, el humor será una constante.

En el caso de Shooter, la producción corre por cuenta de Mark Whalberg, el actor que protagonizó la película original. La serie está encabezada por Ryan Phillippe que interpreta a un francotirador que debe escapar del servicio secreto estadounidense para que no lo maten.

ALGO ESTÁ CAMBIANDO EN HOLLYWOOD

Este fenómeno no es nuevo. Hace rato que la industria norteamericana se viene reinventando con productos que se estandarizan en programas de televisión, con formatos muchas veces de miniserie más que de show convencional: 10 o 13 episodios que permiten tener varias temporadas y "enganchar" al consumidor.

El auge del streaming con Netflix a la cabeza, el crecimiento de la piratería, la grave crisis económica de 2008, y los fuertes recortes de la industria de los últimos años por sendos fracasos en la taquilla hicieron que decenas de productoras volcaran sus esfuerzos a darle continuidad a proyectos televisivos por encima del cine.

Los grandes estudios entonces relanzaron series escondidas (X Files o 24), reinventaron historias que ya estaban terminadas (Prison Break), basaron sus programas en historietas porque saben que tienen un público cautivo (The Walking Dead o Daredevil), y transformaron parte del cine en tele.

DEL CINE A LA TELE

Hay varios ejemplos de films "rebautizados" en series. Hannibal, basada en la famosa historia del psiquiatra caníbal que en cine interpretó Anthony Hopkins, fue una pionera. Duró tres temporadas, con un final, según algunos fanáticos, decepcionante pero que dejó un camino para que otras recorran.

Otro show basado en una gema del suspenso es Bates Motel, que va por su cuarta temporada y una quinta por venir. Acá se cuenta la tortuosa relación entre el famoso asesino Norman Bates y su madre, de la genial Psicosis, una creación de Alfred Hitchcock.

Estos son los primeros casos. Seguramente va a haber más. El Hollywood de la "película más cara" ya no rinde como antes: ahora apuestan a que te quedes en el sillón mirando la tele.

Las vacaciones de invierno prometen un mar de animaciones

Buscando a Dory (estreno de mañana) y otros tres títulos esperan sumar mucho público a un año que promete ser récord en la taquilla.

La vara está puesta en un lugar muy alto. 2016 es el año en el que podría batirse el récord histórico anual de venta de entradas que el mercado argentino maneja desde que hay estadísticas confiables. En 2015 superamos los 50 millones de tickets, el número más alto de las últimas tres décadas (sólo debajo de los 55 millones de 1986), y todo indica que esa marca quedará chica frente a lo que ocurra de aquí a diciembre. Sobre todo porque estamos en la puerta de entrada de la temporada alta.

De aquí al 31 de julio (fin de las vacaciones de invierno en la Capital Federal y la provincia de Buenos Aires) se esperan los estrenos más taquilleros del año para el público infantil y familiar. Se espera, en definitiva, que los cines estén más llenos que nunca. Y la aventura comenzará mañana con el estreno de Buscando a Dory, secuela que muchos esperan ansiosos desde hace más de una década.

En 2003, Buscando a Nemo se convirtió en una de las películas más exitosas (937 millones de dólares recaudados en la taquilla global) y queribles de toda la historia de Pixar. Su continuación puede convertirse, según varios expertos, en el estreno animado de mayor repercusión de todos los tiempos.

En Hollywood, lo que esperan los analistas (la película se estrena al mismo tiempo entre mañana y el sábado en 40 países) es que Buscando a Dory pueda batir el récord de taquilla de todos los tiempos para una película animada en su fin de semana de lanzamiento, hoy en poder de Shrek tercero (2007), con 121 millones de dólares. Las estimaciones más optimistas para Buscando a Dory auguran de aquí al lunes no menos de 115 millones.

En la Argentina, las expectativas también apuntan a una explosión de demanda en las boleterías, en línea con la repercusión que vienen obteniendo este año los éxitos animados de Disney. Zootopia acumula 1.783.887 entradas y El libro de la selva, 1.653.828, según Ultracine. De no haber sido por el éxito descomunal de Me casé con un boludo (1.917.650 tickets vendidos hasta anteayer), estaríamos señalando a dos clases de bichos (los urbanos de Zootopia y los salvajes de El libro de la selva) como los líderes absolutos de la concurrencia a los cines argentinos en lo que va de 2016.

Buscando a Dory podría meterse muy rápido y muy cómodamente en esa pelea por el liderazgo de la taquilla local. Una década entera sirvió para alimentar entre los fans (y los propios creadores de esa usina de puro ingenio cinematográfico llamada Pixar) la convicción de que las aventuras acuáticas del pequeño Nemo tendrían su segunda parte. Ese sueño se hizo realidad después de ir descartando escenarios posibles en un guión que en su punto de partida llegó a tener 108.000 páginas. Andrew Stanton (director de Buscando a Nemo y de Up, una aventura de altura), uno de los selectos integrantes del equipo creativo senior de Pixar, vuelve a dirigir, ahora en compañía de Angus MacLane, y la historia cede el protagonismo a Dory, la pececita con problemas de memoria cercana que nadie olvida desde su aparición (con la voz de Ellen DeGeneres) en la película original.

A las voces, precisamente, les corresponde el protagonismo. Cada vez más, los proyectos animados más fuertes y ambiciosos de los grandes estudios de Hollywood (que cuestan por título no menos de 150 millones de dólares, más 200 millones más en marketing, y llevan entre cuatro y cinco años en hacerse) giran en términos argumentales alrededor de las inflexiones y movimientos de los actores famosos que les ponen sus voces a los personajes centrales. Pasó con mucha claridad en El libro de la selva (el Baloo de Bill Murray y el Rey Louie de Christopher Walken son ejemplos ideales) y pasa de nuevo en Buscando a Dory. Aquí, el protagonismo vocal de Ellen es intenso y constante. Corolario: la versión doblada al castellano (inevitable en cualquier caso de película destinada a los chicos) funciona en muchos momentos directamente como otra película.

No es lo que más preocupa a los estudios en su afán de ganar lo más rápido posible a la mayor parte del público internacional en el menor tiempo con una producción de estas características. Hay desafíos tecnológicos constantes, que en el caso de una secuela permiten comprobar (a través de la comparación con el film original) cómo evolucionan las cosas para el asombro en tan poco tiempo.

La riqueza en la textura de las escenas submarinas marca la diferencia y el cambio tecnológico experimentados en algo más de una década. En la comparación, asombra la cantidad y la variedad de relieves, efectos ópticos y sonoros, claroscuros, sombras, fondos, desplazamientos de los personajes en el cuadro si los comparamos con lo que ocurría en la igualmente prodigiosa Buscando a Nemo. El otro elemento novedoso es la llegada de un gran personaje coprotagónico, el pulpo Hank, cuya presencia en la trama será tan esencial como la de los pececitos.

Con Disney cómodamente al frente de la taquilla animada de 2016 (Zootopia duplicó, por ejemplo, los ingresos globales y la venta de entradas en la Argentina de Kung Fu Panda 3), ¿qué títulos se sumarán a la temporada alta de las vacaciones de invierno en nuestro país? 2015 fue en buena medida un año récord porque contó con la película más taquillera de la historia reciente en la Argentina, Minions (4.933.196 entradas vendidas).

Para no ser menos y alimentar las expectativas de una posible superación de marcas vigentes, 2016 promete entre sus novedades otro regreso, La era de hielo 5: choque de mundos. No podemos olvidar que en 2012 la cuarta parte de esta aventura animada vendió 4.495.000 entradas, y hasta la llegada de Minions lideró junto a Titanic la estadística histórica. ¿Se repetirá en este quinto caso la experiencia anterior? La historia nos dice que es algo improbable.

Pase lo que pase, los cines estarán llenos cuando La era de hielo 5 se instale en la cartelera durante el receso invernal. Y lo mismo se espera de las otras dos novedades animadas que Hollywood prepara para estas vacaciones. De un lado, La vida secreta de tus mascotas, nueva apuesta original de Illumination, el estudio creador de Mi villano favorito y de los Minions. Y del otro, El buen amigo gigante, mezcla de animación y personajes de carne y hueso inspirada en el clásico relato de Roald Dahl y llevada al cine por el inagotable Steven Spielberg.

Te vas a sorprender: "Buscando a Dory", en números

¿Sabés cuántos fotogramas clave tiene la película? ¿Cuántas ventosas tiene el villano? ¿Cuántas rayas emigran? ¿Cuántas piezas de coral? Un repaso por los impresionantes números detrás del spin off. 

Pasaron 13 años desde el estreno de Buscando a Nemo, la primera película de Pixar en ganar un Oscar (de un total de cuatro nominaciones). Y esos son apenas algunos números detrás de aquel gran éxito animado que tendrá su spin off desde el jueves 16 con Buscando a Dory. La nueva aventura acuática tiene sorprendentes datos de producción. Por ejemplo: ¿Sabés cuántos fotogramas clave de animación (definen los puntos de movimiento en una secuencia) fueron creados para la película? ¡289.240.840!

Buscando a Dory retoma la historia de la pez cirujano azul viviendo felizmente en el arrecife junto con Marlin y Nemo, un año después de su primera gran aventura. Cuando Dory repentinamente recuerda que tiene una familia, que podría estar buscándola, los recluta para una travesía a través del océano y hasta California, al prestigioso Instituto de la Vida Marina (IVM), un centro de rehabilitación y acuario.

Buscando a su mamá y a su papá, ella solicita la ayuda de tres de los residentes más intrigantes del IVM: Hank, un pulpo cascarrabias que se escapa de los empleados; Bailey, una beluga que está convencida de que sus habilidades biológicas de ecolocación están averiadas, y Destiny, un tiburón ballena miope.

Acá, más curiosidades del gran estreno de Disney de esta temporada, que seguramente seguirá nadando en el mar de éxitos durante las próximas vacaciones de invierno. 

25.118.559: personas pusieron “me gusta” en Facebook para Dory, y se conviritió en la más popular de los personajes de Disney o de Pixar.

26.705: piezas individuales de coral fueron colocadas en seis sets de rodaje diferentes. Esto estuvo a cargo del equipo de ambientación.

16.091: peces están nadando en la exhibición “Mar abierto” del Instituto de Vida Marina (Marine Life Institute).

11.041: elementos básicos para articulación (rigging) fueron creados solo para la simulación de Hank (un personaje promedio requiere alrededor de 20).

350: ventosas pueden ser vistas en los siete tentáculos de Hank: 50 ventosas en cada uno.

118: semanas debió trabajar el equipo de directores técnicos que fue responsable de crear y articular a Hank.

22: semanas hicieron falta para sombrear a Hank a fin de darle más textura y color, y para que pudiera camuflarse (un personaje promedio requiere menos de ocho semanas). 

5.000: rayas participan en la migración de rayas.

1.108: peces están en cuarentena en el Instituto de Vida Marina.

746: visitantes pasean por el Instituto de Vida Marina.

319: tentáculos fueron agregados a cada anémona en el océano.

Preocupados por Dory

El director Andrew Stanton estaba preocupado por Dory, el pez cirujano azul con frágil memoria que se convirtió en una estrella de Buscando a Nemo, allá por 2003. 

“La idea de su pérdida de memoria a corto plazo y cómo esto la había afectado estaban aún sin resolver. ¿Y si ella se había perdido de nuevo? ¿Estaría bien?”, se preguntó al momento de iniciar este proyecto para suceder al clásico.

Con Marlin y Nemo, el personaje encontró lo más parecido a una familia, y redescubrió su sentido de pertenencia. Sin embargo, hay una historia detrás para contar.

Los vínculos son un tema clave en Buscando a Dory. “Cuando la vemos por primera vez nos enteramos de que ella no puede recordar de dónde proviene. Hay una verdad triste en eso. Pensé que esa era una historia que valía la pena ser contada”, agregó Stanton, quien dirigió Buscando a Nemo y la maravillosa Wall E.

En el inicio del filme, Dory vive en el arrecife con sus amigos, un año después de su gran aventura. Cuando ella repentinamente recuerda que tiene una familia, que podría estar buscándola, los recluta para una aventura a través del océano y hasta California, al prestigioso Instituto de la Vida Marina (IVM), un centro de rehabilitación y acuario.

Allí solicita la ayuda de tres de los residentes más intrigantes del IVM: Hank, un pulpo cascarrabias que se escapa de los empleados; Bailey, una beluga que está convencida de que sus habilidades biológicas de ecolocación están averiadas, y Destiny, un tiburón ballena miope.

“Es increíble que Dory haya hecho eco en tanta gente”, dijo Ellen DeGeneres, quien presta su voz a la pez cirujano en la versión original en inglés. “Dory fue una gran parte de Buscando a Nemo y por eso tiene sentido que la gente se pregunte qué fue de ella. Queremos ver cómo resultaron las cosas”.

Para los realizadores, Dory “tiene un deseo natural de saber quién es y de dónde proviene”. Y agregan que “la pérdida de memoria a corto plazo de Dory, que hasta ahora fue una fuente de humor, tiene consecuencias muy reales para ella. Ella pasó mucho tiempo a solas antes de conocer a Marlin. Siempre está animada y alegre, pero en el fondo tiene miedo de lo que podría ocurrir si se pierde de nuevo. Mientras lucha para hacer frente a sus deficiencias, no tiene problema en aceptar a todo aquel con quien se cruza. Ni siquiera se da cuenta de que está rodeada de personajes que tienen que superar sus propios obstáculos”, asegura la productora Lindsey Collins.

Según Stanton, el equipo de realizadores inicialmente mostró a Dory como alegre, burbujeante y divertida, atributos que se aplican al personaje, pero le faltaba cierta profundidad. “Parecía un poco bidimensional”, dice el director. “Comprendí que, aunque tenía su historia en mi cabeza, nadie más la tenía, tampoco el público. Todo el mundo se quedó con buenos recuerdos de la anterior, acerca de lo divertida que es Dory. Pero siempre entendí eso como una máscara. Me di cuenta de que tendríamos que informar a la audiencia qué le había pasado cuando era pequeña”.

Por Redacción VOS

'The Walking Dead': AMC amenza con demandar a un grupo de fans si revelan spoilers sobre la víctima de Negan

La séptima temporada de la serie que adapta los cómics de Robert Kirkman se estrena en octubre.

AMC ha decidido proteger el importante 'cliffhanger' de la sexta temporada de The Walking Dead con lo que haga falta. Y, es que, la cadena no está contenta con una página web fan de la ficción conocida como The Spoiling Dead Fans y que se ha hecho famosa por publicar spoilers y compartirlos con sus seguidores antes de la emisión de los capítulos de la serie. Por eso, AMC ha amenazado a este grupo con demandarles en el caso de que revelen públicamente quién es la víctima de Negan (Jeffrey Dean Morgan), algo que se conocerá en la séptima temporada.

Ha sido la propia página de Facebook la que ha decidido compartir este aviso con sus seguidores. De la misma forma, les han hecho saber que no podrán seguir especulando sobre este tema, pero sí compartir fotos desde el set de rodaje y otro tipo de spoilers como han estado haciendo durante años.

"Hoy tenemos tristes noticias que compartir", comienza el comunicado. "Tras dos años, AMC ha llegado a nostros. [...]Dicen que no podemos hacer ningún tipo de predicción sobre la víctima de Lucille. Su postura es que hacer ese tipo de predicción se consideraría un infringimiento del copyright", explica. 

Lo cierto es que, desde el final de la sexta temporada, los fans de la serie han estado teorizando, especulando y buscando cualquier detalle que puediese revelar qué miembro del grupo de supervivientes de Rick (Andrew Lincoln) ha sido aplastado por el bate de Negan. ¿Quién crees que ha sufrido tal fatídico destino?

La séptima temporada de The Walking Dead se estrena en AMC en octubre. Mientras tanto, echa un vistazo al tráiler de Preacher, la nueva serie de la cadena.

Pulgares para abajo para la película "El poder de la moda"

El regreso a la dirección de Jocelyn Moorhouse se traduce en una película, pese a contar con dos actrices excepcionales, está destinado a pasar rápidamente al olvido.

Costumbrismo y crueldad definen este deslucido filme australiano con dos actrices excepcio­nales que van de aquí para allá sin dirección alguna en esta tropelía revestida de comedia cuyo tema, más que la superación de un trauma, es el oscuro placer de la venganza. 

¿De qué reír? ¿Cuáles son los materiales humorísticos? El humor que se predica de la crueldad funciona si está desprovisto de moralismo. No es el caso. Salvo un buen chiste en boca de una de sus notables intérpretes, Judy Davies, el resto, más que cómico, es penosamente ridículo.

A un caricaturesco pueblo llamado Dungatar regresa de París una costurera con cierto éxito en sus espaldas (Winslet) y con bastantes ganas de revancha contra quienes la echaron hace unas décadas. Tal vez Myrtle, en su niñez, mató a un compañero. Ella no lo recuerda, su madre tampoco, la historia oficial lo confirma y solamente algunos saben bien qué sucedió entre esos dos niños. La diseñadora de moda necesita esclarecer la sustancia del sentimiento de culpa que la aqueja y desmentir la presunta maldición que determina su vida. Otro de los motivos de este regreso al hogar es también el reencuentro con su madre, que vive en estado de abandono.

En El poder de la moda pasa de todo porque en el guion está escrito que así debe ser. Hay varias revelaciones (eróticas, filiales y jurídicas), un amor fugaz, un par de resarcimientos no exentos de violencia, dos muertes canallas y los números graciosos propios del costumbrismo para alivianar el pesimismo hueco que permea cada fotograma. Al barroquismo del relato lo acompañan la ampulosidad de los encuadres y la reconstrucción de un pueblo en 1951. 

No menos recargados resultan los flashbacks en ralentí coloreados siempre con un tono gris trágico en los que la protagonista repasa su vida.

El regreso a la dirección tras años de ausencia de Jocelyn Moorhouse (Amores que nunca se olvidan) pasará sin escalas al olvido; apenas podremos recordar la honestidad física de los rostros de las actrices que no han sucumbido al arte del estiramiento y a la concomitante negación del paso del tiempo.

El poder de la moda. Australia (2015). De Jocelyn Moorhouse. Con Kate Winslet y Liam Hemsworth.   Sexo: nulo. Violencia: moderada. Complejidad: nula. 118 min.

Por Roger Koza